Von Trier, a Depressão nos seus filmes

A depressão é uma doença pela qual tenho um particular interesse. Mais não será humilde da minha parte dizer que já passei por uma.
Até posso dizer que tenho um pequeno livro para ler sobre o assunto. Darkness Visible: A Memoir of Madness (1990).
Mas esta análise é mais uma capaz de tocar pelo detalhe de cada cena do filme, de como ela é composta e as influências na realização do filme. Tudo isto em mais um brilhante ensaio visual de Nerdwriter.

Mais uma vez o Nerdwriter consegue, de uma forma sublime, construir um ensaio audiovisual que observa pormenores dos filmes de Lars Von Trier sobre o tema da Depressão.
Mais concretamente no filme Melancholia 2011.
Ele examina o som, os cenários as influências artísticas de Von Trier para realizar o filme.
Consegue também explicar, pela linguagem cinematográfica, uma doença de que se sabe tão pouco... Inclusive consegue que o espectador entenda melhor este tema através da personagem principal. Levando-a a estar no tempo e no espaço entre o utópico e o real que a mesma passa no filme.
Para mim o que foi mesmo fantástico foi, com o vídeo, recordar o filme e voltar a sentir o que senti na primeira vez que o vi.
Na verdade, o sentimento foi mais intenso! Porque o ensaio consegue explicar o tema de uma forma muito detalhada e de forma narrativa que me prendeu desde a introdução até á conclusão. Uma das particularidades do Nerdwriter.
Ainda melhor é sempre saber mais. E falo das influências de Von Trier para o filme:

Loving Vincent

É o primeiro filme do mundo animado por pinturas a óleo.
A combinação entre pintura e cinema ganha aqui um protagonismo literal.
Porque o filme como "arte" tem aqui um novo significado. Um novo filme de animação composto por cerca de 57.000 pinturas a óleo no estilo de Vincent Van Gogh.
O filme traz a arte de Van Gogh e a sua história pessoal de vida.
Para que o resultado seja possível, mais de 100 pintores têm animado as personagens das suas pinturas.

O resultado é um número sem precedentes de 12 quadros a óleo visionados por segundo para ser realístico.

A empresa responsável pela produção do filme é a BreakThru Productions, sediada na Polónia, inventado as estações de trabalho de animação patenteado no seu estúdio para facilitar o processo. Cada cena é composto por uma inteira nova pintura a óleo, e o movimento é adicionado em pinceladas.
A empresa polaca foi escolhida pela certeza que os pintores polacos são bons na arte de pintar. E os pintores são alunos de arte já com bastantes anos de estudo na arte.

O Academy Award-winning, produtor e co-diretor Hugh Welchman foi assertivo quando descreveu  o processo de "pintura stop-motion".

Para algumas cenas, a equipa do filme captou filmagem em live-action com um ator. Foi filmado e projectado, quadro a quadro, sobre uma tela, onde os pintores, em seguida, interpretaram a ação com o seu pincel.
Apenas um feito semelhante foi realizado. Em 1999, Aleksandr Petrov ganhou um Oscar pela sua impressionante adaptação de 20 minutos de The Old Man and the Sea, que ele criou com pinturas a óleo pastel no vidro.

Loving Vincent, dirigido por Dorota Kobiela e Welchman e por Aidan Turner, Saoirse Ronan e Helen McCrory, marca a primeira longa-metragem do seu tipo, com esta estrutura é uma obra deliciosa em que os quadros de Van Gogh ganham vida literalmente. Fica um trailer e uma reportagem da CCTV que explica e mostra audiovisualmente o que escrevi. 

AKIRA e a experiência artística.

Depois de ontem ter dito que tinha acabado de ler o livro de Leon Tolstói What is Art?  
Aconteceu de eu rever um dos meus filmes de animação anime de sempre AKIRA  (1988) de Katsuhiro Ôtomo.
Um filme que aborda questões filosóficas que se reúnem numa só ideia. Do caos podem nascer coisas belas.
E é assim que devemos pensar sobre tudo que admirámos e apreciámos.
Por isso, acontece que depois do livro e com as suas ideias na minha mente tive um experimento sensorial em que posso dizer que o objeto, a animação, que admirei é arte.
Assim houveram duas coisas que eu quis que ficassem desta minha experiência individual artística que eu quero tornar social.
Em primeiro lugar,: uma citação do livro de Tolstói que considero que vai em muito ao encontro do senti no filme. Pois como disse:
- do caos pode vir coisas belas e essa é a mensagem...
O que vi e senti foi uma infecção de prazer apenas conseguida por deus. Neste caso é uma teoria de estudioso da estética que tem uma teoria que eu considero que se enquadra no filme.

"According to Hegel (1770-1831), God manifests himself in nature and in art in the form of beauty. God expresses himself in two ways: in the object and in the subject, in nature and in spirit. Beauty is the shining of the Idea through matter. Only the soul, and what pertains to it, is truly beautiful; and therefore the beauty of nature is only the reflection of the natural beauty of the spirit—the beautiful has only a spiritual content. But the spiritual must appear in sensuous form. The sensuous manifestation of spirit is only appearance ( schein ), and this appearance is the only reality of the beautiful. Art is thus the production of this appearance of the Idea, and is a means, together with religion and philosophy, of bringing to consciousness and of expressing the deepest problems of humanity and the highest truths of the spirit." 

E, em segundo, enquanto via o filme, deparei por mim a pensar que toda a matéria de belo do filme se resumia às sua imagens - que claro sem o som não têm o mesmo impacto - mas são o produto bonito nascido das ideias.
Assim, o que me interessou ficar na mente, e nest post. foi o objetos de arte que me impressionaram:as imagens do filme.
Fica uma coletânea.
Temos um mundo apocalíptico que conhecemos num período depois da WWIII.
O mundano e desumano é permitido nas ruas.  O imperialismo, capitalismo e corrupção ocupa - uma vez mais - o lugar de poder. Na história é sempre a espiral do eterno retorno...
Mas temos uma consequência do abuso desse poder, a criação de coisas que não percebemos e com isso talvez seja precisa um renascimento. Existem pontas soltas, mas a resposta nunca a vou querer saber!

O que é a Arte? Não sei...

Acabei de ler agora mesmo o meu primeiro Livro de Leon (Liev. Leão) Tolstói. Numa primeira reação, respeito imenso as ideias que estão contidas no livro. Mas creio que esta maneira de escrever, esteja muito longe dos seus Romances que o tornaram famoso.

Livros a ler! 

Mas neste não existe Romance!

What is Art? - primeiro publicado em 1897 - é um pensamento filosófico puro sobre o que é a Arte por Tolstói, em que a busca na definição de beleza e o sentimento que ela deve provocar é o que necessário para ser arte. 

Também discute a arte como mecanismo de prosperidade, de evolução humana, pensamento baseado no Marxismo.

Até ao sentimento mais mínimo - vamos pensar no átomo - que a arte faz sentir. Tolstói foi um génio não só da escrita, mas também na forma de escrever o pensamento em palavras. 

Talvez entender a sua vida seja uma forma de entender o homem que foi amado de tal forma, que podia escrever, num tempo de escalada do fascismo, o que pensava. 

Por isso fala logo que nesta edição que não temia a  censura:

"So the matter has remained. A book has appeared under my name containing thoughts attributed to me which are not mine."

Ao ver a sua biografia e os seus ideais, compreendo ainda melhor o livro que acabei de ler. Não quero entrar na parte de educação ou a formação ao longo da sua vida.
É importante para entender este livro saber apenas umas coisas do autor.  Em primeiro lugar:

Para Tolstoi, os Estados, as igrejas, os tribunais e os dogmas eram apenas ferramentas de dominação de uns poucos homens sobre outros, porém repudiava a classificação dos seus ideais como sendo anarquistas. Foi citado pelo escritor anarquista russo Piotr Kropotkin no artigo Anarquismo da Enciclopédia Britânica de 1911 e alguns pensadores o consideram como um dos nomes do Anarquismo cristão. Outra aproximação com o anarquismo se deu em 1862, quando Tolstoi, em viagem pela Europa, visitou o autor anarquista Proudhon. Este estava a escrever um texto chamado "La guerre et la paix", cujo título Tolstoi propositadamente utilizou no seu maior romance.

Porque no pensamento sobre a arte Tosltói aprofunda o pensamento, o seu foco de quinze anos, nesse mesclar da filosofia pura com a arte religiosa. Criada pela adoração ao deuses desde o início dos tempos. Os Gregos já adoravam deuses e artefactos.

Em segundo lugar, na verdade Tolstói no livro fala muito sobre a escola alemã de estudo da estética. Remete também para os escritores franceses, que no seu entender eram imitados. Tem um pensamento socialista e por isso deduzo que o ensaio tenha sido feita durante a sua Conversão.
Pois fala muito mal da corrente renascentista, das classes mais altas da Europa que definiram arte num espectro de elitismo.
Mas também fala da definição do belo e do sentimento de prazer. Procura tanto isso que estuda entender porque as pessoas admiram a arte religiosa. Mas a verdadeira impressão era a forma de como pensava que arte não podia ser apenas de um espectro. As massas teriam direito à arte, a contemplá-la:

It is said that it is all done for the sake of art, and that art is a very important thing. But is it true that art is so important that such sacrifices should be made for its sake? This question is especially urgent, because art, for the sake of which the labor of millions, the lives of men, and, above all, love between man and man, are being sacrificed,—this very art is becoming something more and more vague and uncertain to human perception.

Acaba por chegar a um ponto em que fala do futuro da arte como aproximação ao progresso humano, mas na época em que vivia, não saberia o futuro... Por isso o seu pensamento não pode ser atual.
Fala numa metáfora sobre as artes e a comida e como elas se relacionam. Porque ambas são uma necessidade humana.É uma explicação de arte muito distinta. Em que se distingue as elites de uma forma a que as pessoas se habituam.

The theaching of the schools stops there where the wee bit begins-consequently where art begins.

Por que ele toca no ponto em que a humanidade conheceu a arte. Os escritores das epopeias, não receberam nenhum dinheiro pela sua escrita  e pela sua obra. Enquanto na sociedade da época era típico haver artistas que recebiam. Mais uma questão filosófica de Tolstói.
A crítica da arte não existe e eu concordo com ele. Analisar a arte é o mesmo que entender o cosmos: não há resposta [pelo menos cientificamente plausível].
A obra é toda uma crítica à arte em si mesmo. Porque ele afirma que arte não se ensina. É impossível ensinar a arte a um homem. O que parece ser contraditório - e é - Mas faz sentido na ideia do autor e em tudo que ele expõe.
Mas sempre num tom muito crítico em que crítica o próprio Wagner e a sua estrutura de compor  que estabeleceu uma música impossível. Porque entre música e poesia apenas uma das formas de arte é que produz o efeito de prazer. Naquele tempo ele considerava que as classes mais altas consideravam certa arte como boa, mas na verdade não era. Para isso fala em três condições para a arte ser pura:

1. On the greater or lesser individuality of the feeling transmitted
2. on the greater or lesser clearness with which feelings is transmitted 
3. on the sincerity of the artist. 

Em conclusão, não é que não tenha percebido Tolstói neste primeiro livro que li: Talvez a escolha é que não seja a mais adequada para conhecer um autor tão conhecido. Durante a Conversão. Tolstói passou de um escritor frequentador das maiores classes Europeias, para uma Quinta no campo a criar galinhas e coelhos. Quinze anos a escrever sobre um assunto ao qual não encontrou resposta pois procurava as perguntas em temas frágeis como o anarquismo e o cristianismo.
Talvez isto sejam apenas pensamentos de um homem idoso e cansado da cabeça que não parava de questionar os assuntos fundamentais e que pode levar à loucura. Mas numa coisa Tosltói acertou no livro a Arte aproximou-se mais da Ciência. Recomendo Vivamente a leitura.   

Kubrick e as Cassetes Perdidas

Este é um pequeno documentário sobre a vida e as características dos primeiros filmes do grande Stanley Kubrick.

Narrado pelo próprio. A narração foi retirada de entrevistas que ele concedeu em 1966 a Jeremy Bernstein.

Bernstein escreveu um perfil sobre o diretor baseado em tese e gravações usadas como um suporte para recolher informações. 

Durante o vídeo ouvimos a voz de Kubrik e é uma sensação muito interessante.
Aborda vários temas na sua narração. Tal como a sua admiração pela fotografia, os custos e meios da época para a realização dos filmes, etc. 

É ainda mais interessante por ser uma auto reflexão sobre todas as suas obras. Uma análise aos detalhes e técnicas dos seus filmes. No fundo acaba por ser um forma de conhecer melhor a personalidade de Kubrik, a sua mente criativa e a sua forma de pensar e realizar. 

Posso dizer que no fim de visionar o pequeno documentário, senti na pele as dificuldades de Kubrik, as suas melhores sensações e as suas opiniões sobre o cinema e principalmente como ele se tornou um dos principais realizadores de todos os tempos.
Ouvir a voz do próprio a narrar problemas na realização do filmes, dos orçamentos e também o isqueiro a acender constantemente como ruído de fundo cria uma sensação de estarmos no próprio sítio de onde ele está a narrar.
É uma oportunidade única para os apaixonados da sétima arte.

O Rei de Copas, Incompreendido no Mínimo

Vou ter que ser sincero naquilo que vou escrever. Tenho que tentar que a imparcialidade faça parte da minha opinião. E não poderei olhar à admiração que tenho por Terrence Malick. Neste post tenho que ter o papel de opinion maker. 
Num outro post neste blog sobre este realizador escrevi:

Parece haver algo de este sentimento no trabalho de Malick, mas ele recusa-se a explicar-se como realizador.
O mistério nos seus filmes nunca é resolvido, e isso não é importante. Os seus filmes são um tipo de cinema mudo, embora seja um silêncio, de reverência à natureza e à tragédia das preocupações humanas que cegam os seus personagens para a imanência que os rodeia, e só está à espera de alguém para olhar.
E olhar este ensaio de Rachel Glassman é ver as marcas do realizador filósofo que procura no cinema mostrar ao espetador, de forma visual, aquilo que muitas vezes é ignorado.
Os filmes de Malick não são para ser entendidos, são sim artefactos audiovisuais que querem que pensemos que não somos o centro do universo. Pelo contrário, somos apenas um grão na sua vasta amplitude.

Ora, posso dizer isso deste último filme que realizou e que procura mais uma vez abordar todos os temas que mencionei acima. Mas que começa, infelizmente, a ser rotineiro... Outras criticas abordaram o mesmo tema!
Depois de um período longo de paragem na realização, Malick parece estar mais produtivo e nos últimos anos tem aparecido com mais produção, isto é, mais filmes realizados.
O último por sinal foi o que ví.
The Knight Of Cups é o seu último filme, mas de longe é o filme que mais me agradou.

Demasiado noir no sentimento criado. E para quem já conhece um pouco da obra dele, nota demasiadas semelhanças com outros filmes.
Mas isso não é o problema!
Este está numa incapacidade de a linguagem cinematográfica ser capaz de expor o sentido que Malick tem sobre a arte e o entendimento sobre o mundo.
Talvez o meio seja incapacitante, redundante e, pior para o realizador, limitador da sua visão sobre o mundo ou a realidade.
Eu disse talvez, mas a verdade é que neste filme foi o que mais senti (pelo menos até onde vi, e foi mais de metade do filme).
Mais uma vez temos voz off  que comanda a narrativa.
Onde o movimento parece não se diluir pelo que está a ser dito por essas vozes e por isso é confuso! Onde imagens rápidas, sem sentido, são mostradas para ter sentido, mas apenas para os mais eruditos compreenderem ou até mesmo para ninguém a não ser o seu criador.
Onde a decadência é a superatividade da vida e se vivermos desta forma, não temos que ter tabus.
O incompreendido nunca vai ser compreendido. Porque temos que viver de acordo com o compreendido e estabelecido!
A vida é uma estrada e nela vamos percorrendo até encontrar obstáculos.
A forma como os ultrapassámos cabe a cada um, mas Malick quer criar de forma onírica a regra de como viver: a decadência com razão baseada na moral da Razão.

Depois de várias tentativas (pelas que contei foram pelo menos 4) não consegui ver o filme até ao fim.
E cheguei a um ponto em que essa decisão se tornou permanente.
A questão não passa pela qualidade do filme, a interpretação de Christopher Nolan. Ou até a fotografia!
É sim uma saturação...
Malick é um génio, isso eu não ponho em questão. Ele tenta mostrar o mundo aos incompreendidos que pensam que são entendidos...
Mas a forma como ele faz isso é limitadora na linguagem cinematográfica.
Porque as imagens que representam tal sentimento acabam por ser as mesmas. Repetitivas!
A definição do belo tem um limite, que são as suas causas naturais da Natureza.
E é essa que Malick, que tirou a o curso de Filosofia, mais admira, juntamente com o conceito de humanidade, quer num posto bipolar, ter que viver com os seus tormentos, mas ao mesmo tempo com aquilo que não tem controle e não compreende: a realidade.
Num ponto em que as massas é que definem as regras. Se a arte fosse hermeneuticamente compreendida na sociedade, talvez as suas palavras fossem outras e melhor compreendidas?
Malick quer entender, à sua maneira isso, mas chegou a um ponto em que a ferramenta (a cinematografia); que usa precisa de uma metamorfose. Uma modulação na sua escrita e uma procura de outros materiais que sejam mais inteligíveis.
Caso contrário, Malick corre o risco de se tornar um realizador de culto, mas sem audiência...
Em conclusão tem que deixar a criatividade brotar dele novamente, nem que para isso seja necessário uma longa paragem.
Como fez no passado e apenas foi capaz de criar nele uma sensação de criação que ultrapassa o entendimento humano.

Os génios são incompreendidos.  E Malick é um deles.
E a história tem mostrado que todos os génios sofrem momentos de falta de inspiração.
Em que o mesmo (as suas visões, os seus entendimentos sobre a realidade) são repetidos até à exaustão.
Talvez Malick esteja numa dessas fases?
Mas como disse acima tenho que ser imparcial.
E mesmo admirando Malick como admiro, tenho que deixar a razão falar e o conhecimento também.
Este não é o melhor filme de Malick.
A sua criatividade de realizar neste momento está limitada.
Ou ele entra por outra arte para demonstrar o que pensa sobre a realidade (porque a filosofia vai sempre persegui-lo); - a literatura não é má ideia -  ou corre o risco de subir umas escadas muito longas e com algumas quedas pelo meio.
No entanto, recomendo a tentativa de visionar o filme.
Não é tempo perdido. No mínimo temos um filme incompreendido.

Um Sapo, Um Coelho e um Guarda Chuva.

Hayao Miyazaki, criou em 1985 o estúdio Ghibli, onde criou as obras primas que encantaram o mundo. As suas animações são reconhecidas a nível mundial e muitos são os filmes sonantes que ele realizou.Por essa razão achei interessante encontrar este vídeo de animação criado pelo estúdio de Hayao Miyazaki.
 Mais interessante se torna por saber que este  "emaki" é uma leitura história ilustrada na horizontal, que vem de Choju - Giga, um livro em quatro volumes , com desenhos datando dos séculos XII e XIII .

Os fundadores do estúdio estão muito ligados a perpetuar as tradições da cultura japonesa, e esta bela história de um sapo que compartilha o seu guarda-chuva com um coelho é a prova: extratos do Tesouro Nacional são definidos em torno dos museus japoneses.

Num ponto considero interessante toda a estatura que a obra de Miyazaki conseguiu embelezar todos os espetadores. Por outro a atitude nobre do estúdio em pegar no antigo e renovar num manga artístico. A verdade é que a curta é encantadora pela cor e a música com os personagens em movimento num mundo criado por mentes criativas. É daquelas obras de arte que so se gosta se nos fizer esquecer o mundo, a realidade e os problemas que temos...

O Cinema e as suas Sequelas

Neste ensaio sobre remakes é tocado um ponto interessante com que o cinema se tem deparado nos últimos anos. A falta de originalidade.!

Embora a adaptação de os Comics para o cinema tenha, por um lado, levado ao seu maior auge na fusão entre arte e tecnologia, e tornado interessante pelo 3D.
O cinema passa por uma época de remakes de forma a obter mais os blockbuster's do que os Indie.
O vídeo é de Jaume R. Lloret no Vimeo.

Remakes from Jaume R. Lloret on Vimeo.

A análise audiovisual tem o seu encanto pelo quadro divido em dois e podermos contemplar visões fundidas, mas de tempos diferentes.  

E assim entender talvez o porquê do cinema sofrer uma servidão enquanto entendimento da realidade. 

Sofra no sentido de se render ao mainstream  e deixar que o cinema de autor (indie) desapareça. 

As previsões de Steven Spilberg são diferentes deste paradigma. Numa conversa com George Lucas refere:

"There’s eventually going to be a big meltdown. There’s going to be an implosion where three or four or maybe even a half-dozen of these mega-budgeted movies go crashing into the ground and that’s going to change the paradigm again."

Vamos esperar mesmo que sim. Porque o cinema já não aguenta com mais sequelas. A doença tem que encontrar a sua cura!

A Cultura Criativa da Pixar

Depois de ter acabado de ler o livro de Ed(win) Catmull, escrito com a ajuda de Amy Wallace; Creativity, Inc.: Overcoming the Unseen Forces That Stand in the Way of True Inspiration (2014) a principal ideia que fiquei é que Ed Catmull é um homem extraordinário; visionário e que ganhou o seu lugar na história enquanto "pai" da Computação Gráfica.

Ed Catmull enquanto criança tinha um sonho: fazer o primeiro filme animado através de um computador.
Este mote é o início de todo o livro e a história que começa na empresa Lucas Film de George Lucas, criador da saga Star Wars.  Até ao momento em que conseguiram pela primeira vez animar uma matéria através de um computador. Essa matéria foi a própria mão de Ed Catmull.

Ao longo do livro entendemos a paixão, vocação que Ed Catmull dedicou ao nascimento desta tecnologia e como ela foi evoluindo. Tendo ele um papel primordial neste facto.
Mas o livro não é uma história auto-biográfica do surgimento da Pixar, que antes de ser uma empresa de realizar filmes de animação, era uma empresa de venda de hardware.
Mas a admiração que o CEO da Pixar e Disney Animation Studios tinha por Walt Disney entranhou nele, desde muito novo, um sonho que culminou na criação de uma das empresas mais inovadoras, nascidas no século passado.
E tudo começou com Walt Disney e como os seus filmes de animação o embelezaram e tocaram num caminho de sucesso e sonhos concretizados. Depois com o facto de ter conhecido Jonh Lasseter.

By the time I met John, he was as connected to Walt Disney as any twenty-six-year-old on earth. He had graduated from CalArts, the legendary art school founded by Walt, where he’d learned from some of the greatest artists of Disney’s Golden Age; he’d worked as a river guide on the Jungle Cruise at Disneyland; and he’d won a Student Academy Award in 1979 for his short film The Lady and the Lamp—an homage to Disney’s Lady and the Tramp—whose main character, a white desk lamp, would later evolve into our Pixar logo.

E por fim o aparecimento de Steve Jobs, que com a sua habilidade única, conseguiu que a Pixar se aguentasse nos seus momentos mais difíceis. Já que ele era o suporte financeiro da empresa nos primeiros anos da sua vida e que não foram fáceis.
Porém, o que eu creio que Ed Catmull pretende com este livro é dar uma história na primeira pessoa do nascimento da Pixar. Dos seus maiores êxitos, mas também os seus momentos mais problemáticos. Mas mais importante falar da Cultura Criativa da Pixar.
O que percebi ao longo do livro é que Ed Catmull, Jonh Lasseter e Steve Jobs, quando enveredaram pelo objetivo de criar a Pixar, não foi só juntar a arte com a tecnologia. Mas sim criar uma cultura de criatividade própria e original na empresa.
Por isso mesmo, Ed Catmull entra profundamente na tentativa de explicar as metodologias utilizadas na Pixar de forma a tornar todos os seus funcionários mais criativos. Mais propensos a remar na mesma direção que a empresa e nunca a subestimar as ideias ou ideais de cada um.
O melhor exemplo disso é a forma como os intervenientes na realização dos filmes de animação estudam ou investigam os temas subjacentes ao filme.
O trabalho passava pela observação no terreno, a aprendizagem na cozinha de cozinheiros de restaurantes com estrelas Michelin e mesmo a prática de alguns desportos. Tudo isto para que a qualidade atingisse quase a perfeição.

Concluindo, o livro é uma análise do próprio Ed Catmull à empresa que ele ajudou a criar, mas também um manifesto a favor da criatividade e como esta é importante numa empresa como a Pixar ou qualquer outra.
O livro tem um discurso muito otimista nesse sentido. E um bom exemplo é o capitulo que nos fala da metodologia Notes Day. Uma forma de procurar e incentivar a criatividade em todos os funcionários da empresa e ao mesmo tempo fazê-los sentir que não existem hierarquias e que todos tem uma voz que vai ser sempre ouvida.
Ao mesmo tempo percebemos que Ed Catmull é um homem normal - apesar dos feitos que já alcançou na sua vida -; com receios como qualquer outro homem, mas que argumenta que nunca devemos deixar que os nossos medos nos dominem.
É um livro obrigatório que eu li duas vezes seguidas. Inspirou-me em vários sentidos, mas principalmente a nunca desistir dos nossos (meus) sonhos.
Um ponto mais tocante é a dedicatória que faz a Steve Jobs que faleceu a 5 de Outubro de 2011. Dando a conhecer um homem que também era visionário e que teve também um papel primordial no sucesso da Pixar. Sendo que a sua morte foi um dos momentos mais marcantes da história da empresa.
Por último, o livro termina com conselhos a todos os CEO's de empresas para poderem criar uma cultura criativa semelhante à que existe na Pixar e posteriormente na Disney Animation Studios.

Steve was a big believer in the power of accidental mingling; he knew that creativity was not a solitary endeavor. But our trip to Northside helped clarify that thinking. In a creative company, separating your people into distinct silos—Project A over here, Project B over there—can be counterproductive.

O arco-íris que apareceu sobre os escritórios da Pixar logo depois do anunciamento da morte de Steve Jobs

Da esquerda: Steve Jobs, Jonh Lasseter e Ed Catmull

 

A Ramificação Artística da Fotografia.

O livro que mais me tocou a ler sobre o tema de fotografia foi o "Câmara Clara"  de Roland Barthes. Creio que é o ensaio literário que me faz ter uma visão de entendimento sobre a fotografia como arte. A aura, o punctum e toda a filosofia meta física que Barthes descreve faz com que sinta e compreenda a fotografia como uma sensação ou emoção expressa nas suas palavras.

É um tema que refleti depois de ver um vídeo de de Roger Ballen em que aponta 7 maneiras de um fotógrafo saber se é um artista!
Mas é o que senti no final  do vídeo que me fez pensar que ser fotógrafo já de alguma maneira  é ser um artista. Saber utilizar uma máquina, uma tecnologia, um artefacto inventado pelo homem para captar a realidade. Já faz com que um fotógrafo já seja um artista!
A questão não passa pela área em fotografa, mas sim a forma que fotografa. Até um book de casamento pode ter fotos artísticas.
Para mim, e olhando ao presente, um fotografo é um artista. Mas falo de fotógrafos que sabem fotografar (porque é o que é comum a todos os fotógrafos); e depois aplicar-lhe a sua visão, conhecimento e sentimento (não é uma selfie do Instagram).
A fotografia banalizou-se, passou a ser de massas. Mas a sua aura ainda existe, porque existem pessoas que assim o fazem.  Porque como Barthes fala no seu livro sobre o punctum. 

“O punctum de uma foto é esse acaso que, nela, me punge (mas também me mortifica, me fere).” (BARTHES, 1984 p. 46)

O punctum de alguma forma é o que faz a fotografia. Porque é um acaso que é captado, ou o studium onde tudo é fotografado e preparado.
Mas Roger Ballen já mostra no seu vídeo como podemos ver a fotografia, ou melhor, como um fotógrafo é um artista.
É profundo este ensaio, pois fala como podemos ver a arte da fotografia focando-se em pontos que considero interessantes. Como qual é o propósito da arte, como ela pode redefinir o nosso mundo, as nossas relações visuais, como uma visão é única, uma constante procura, algo que nasce na nossa mente e em que enfrentamos os nossos medos.
Fica a resenha dos pensamentos de Ballen e o vídeo em que ele majestosamente os explica.

1. The Purpose of Art

“Why do some works stick? Why are some works fleeting? If you ponder this, then you may be an artist.”

2. Redefine Your World

“How do you define anything? If you redefine your understanding of words, then you may be an artist.”

3. Visual Relationships

“When you learn to see strong, complex visceral relationships beyond words, then you may be an artist.”

4. A Vision is Unique

“When you learn every moment is crucial, and that no picture can be repeated, then you may be an artist.”

5. Search Within

“You need to travel deep inside yourself to create a good picture.”

6. Break Through Your Mind

“If you can let go and break through your mind, then you may be an artist.”

7. Face Your Fears

“If you confront your fears, this will certainly assist your artistic endeavors.”

Òscars 2016 e a Fotografia de Lubezki.

A 88ª cerimónia dos Òscars acontece hoje e mais uma vez o tapete vermelho estará estendido para receber os atores e atrizes no Teatro Dolby em Los Angels.

Este ano as nomeações estão cercadas com uma polémica que na web ficou conhecida como #OscarsSoWithe relacionado com as nomeações em que poucos foram os nomeados de cor negra nas diversas categorias que integram a cerimónia.
Mas polémicas à parte, quero falar sobre Emmanuel Lubezki e o seu trabalho de tirar o fôlego. Nomeado este ano pelo seu trabalho no filme de Alejandro González Iñárritu The Revenant (2015).

Se ele vencer, Lubezki será um dos únicos cineastas de sempre a levar para casa o Òscar na categoria de Fotografia três anos seguidos, depois das vitórias em  Gravity (2013) e Birdman (2014). 

Em homenagem a esse facto a The Criterion Collection está a dar um raro vislumbre através dos olhos talentosos de Lubezki, uma oportunidade para ver o que o negativo original em bruto do filme de Terrence Malick A New World (2005), um dos filmes mais bem conseguidos a nível da fotografia do cinematógrafo, fica finalizado depois de passar pelas mãos de Lubezki.Assim, deixo três videos abaixo em que aparece o antes e depois da correção de cor em cenas do filme.
Ainda melhor Lubezki e Malick têm trabalhado com a Critterion há mais de um ano para criar um novo filme em 4K restaurado de 172 minutos de Malick do filme, e estes breves exemplos, nunca antes vistos, mostram a incrível diferença entre o olhar de Lubezki meticulosamente exposta em câmara negativa e o filme terminado. São autênticos ensaios audiovisuais que todos os que interessam por esta arte deviam ver.

Mais importante é vislumbrar o trabalho fantástico de Lubezki e compreender porque já ganhou dois Òscars na categoria de fotografia e obrigatoriamente deve ganhar o terceiro pelo trabalho estético belíssimo que conseguiu em  The Revenant. Sendo que todo o filme foi capturado com luz natural.